Arquitectura y Arquitectos, Patrimonio e Identidad, Urbanismo y Territorio, Normas y Novedades, Tecnología Ambiental y Naturaleza, Enseñanza y Actividad Académica, Sistemas Constructivos y Estructurales.
Sean bienvenidos a nuestra edición N° 40 de la Revista Digital APUNTES DE ARQUITECTURA, correspondiente al mes de Junio del 2012, queremos dedicar este número a las edificaciones mas representativas de nuestra arquitectura, en especial a aquella hecha hace mas de 500 años y que es hoy vivo testimonio del ingenio y esfuerzo de nuestros mayores.
La arquitectura de Herzog & Pierre De
Meuron con frecuencia ha sido observada y evaluada por la crítica a través de
su estética, de los aspectos visuales y constructivos de las obras terminadas.
De su trabajo podríamos hablar incluso de un estilo que ha influído en la
práctica contemporánea del diseño habitable. Sin embargo su arquitectura se
origina a partir de un proceso de búsqueda e investigación que dista de los conceptos
con que se les ha relacionado, como el ‘minimalismo’, el ‘espectáculo’ o la ‘elegancia’
de sus envolventes; siendo demasiado parciales, ya que no nos hablan de las
inquietudes con que son concebidos sus espacios.
En éste texto haremos una breve
aproximación a esas inquietudes con que han trabajado y evolucionado en algún
sentido obteniendo distintos resultados para el diseño de edificios así como
del entorno urbano. H&M han procedido en su oficio vinculando información
de diversas fuentes, ya sea dentro o fuera de la arquitectura; abarcando un
espectro muy amplio de las ciencias y la cultura visual del siglo XX, que incluye
física, biología, pintura, escultura, land art, arte conceptual, fotografía,
cine, etc. Aquí existe una analogía con lo que comenta Steven Pinker respecto
de nuestra forma actual de concebir la tecnología : “… la percepción, lo
cognitivo, es el territorio de encuentro entre todas nuestras capacidades, es
inútil pensar o reflexionar en forma separada las mismas; ya no podemos hablar
de arte y ciencia ó tecnología y mente, ya que son dicotomías obsoletas, todo
se encuentra contenido dentro de una misma ‘baraja’ de posibilidades, hablamos
de diferentes capacidades o facultades de la psique humana.”
En su artículo “La geometría oculta de
la naturaleza” (1988) Jacques Herzog se refiere a la necesidad de penetrar la
superficie aparente de la naturaleza, para de esta forma poder apreciar su
configuración y los múltiples sistemas de un orden que hay debajo : “… nuestro
interés en el mundo invisible radica en encontrar una forma para develarlo en
el mundo visible. Nos referimos a la complejidad de un sistema de relaciones
que existe en la naturaleza, nuestro interés se centra en la geometría oculta
de la naturaleza, en un principio ‘espiritual’, y no primordialmente en el
aspecto externo de la naturaleza.”
Estas ideas indican un movimiento
orientado hacia una reflexión en torno al significado mismo de la materia, su esencia,
y las relaciones que pudieran establecerse con nuestro medio ambiente construído.
La continuidad es lo que conecta
los procesos naturales, con los culturales. La arquitectura es el intento de
desarrollar e incrementar esa continuidad, buscar códigos que traduzcan
información natural y artificial.La
posición de Jacques Herzog se encuentra próxima al pensamiento de algunos
filósofos de las ciencias de la vida, como son Merleau-Ponty y Georges
Canguilhem, los cuales proponen que no existe una separación tajante entre vida
y técnica o entre sujeto y objeto técnico, afirmando que el hombre se encuentra
en continuidad con la naturaleza gracias a la técnica. En esta perspectiva el
objeto arquitectónico constituye la continuación de la vida misma por medios
diferentes, siendo un fenómeno universal representado por una
‘instrumentalización’ gradual del entorno habitable.
“Nosotros no creemos en una oposición
dialéctica entre naturaleza y sociedad; o entre naturaleza y ciudad. Por
naturaleza entendemos procesos biológicos, físicos y químicos, procesos que
podemos intentar describir. Por artístico o artificial entendemos procesos que
operan en el entendimiento de nuestra naturaleza y nuestro efecto sobre ella”.
Su
trabajo se ha derivado mucho del estudio de los procesos químicos y de sus
descripciones, haciendo comparaciones de las microestructuras; estructuras
invisibles, como de las estructuras atómicas de la materia, con los aspectos visibles
y las cualidades que esos materiales revelan en la experiencia cotidiana.
H&M conciben que uno de los
propósitos de la arquitectura, consiste en ‘aumentar’ la percepción que tenemos
del mundo. Los edificios pueden convertirse así en ‘marcos’ o ‘filtros’ que
concentran una visión específica dentro de la ciudad.
La experiencia de realidades distintas,
ya sean artificiales, artísticas, naturales, o de cualquier otra índole,
pudiéndose intensificar mediante el uso controlado de los materiales, reflejos,
luces y líneas visuales. Combinan a menudo capas horizontales y verticales, las
fachadas evocan capas solapadas o transparencias superpuestas. El resultado de
todo ello es una ‘incertidumbre perceptiva’ acerca de la verdadera ubicación de
los planos, ya sean de concreto, vidrio, mampostería o telas metálicas.
El revestimiento suele enmascarar la
estructura real que está debajo, aunque esta puede ser visible en ciertos
puntos o bien insinuada con referencias indirectas. Como sucede actualmente
mucha gente tiene conocimiento de su obra a través de fotografías
cuidadosamente manipuladas. H&M han manifestado un gran interés en el
‘poder’ de la cámara para generar una realidad propia; esta habilidad para el
manejo de las imágenes ha sido objeto de debate. Algunos expertos han indicado
falta de sentido espacial e inexpresividad en los interiores, en contraste con
la forma exquisita con que elaboran las fachadas y el exterior de los
proyectos.
La obra de H&M ocupa un sitio particular en la producción de la
arquitectura contemporánea; es lo suficientemente radical para atraer a las
élites intelectuales, pero también lo bastante ‘normal’ en algunos procesos
constructivos. En un mundo dónde la ‘tercera naturaleza’ de la tecnología se
extiende en redes visibles e invisibles, el interés de éstos arquitectos por
las capas y las envolventes que separan lo artificial de lo natural, resulta
útil e innovador. El problema continúa siendo el mismo : ¿Cómo trasladar
reflexiones de distintas esferas del conocimiento humano en ese ámbito tan
singular que es la arquitectura?
Dentro del trabajo de investigación de
H&M podemos identificar dos vertientes, que posteriormente inciden y se
complementan en sus procesos proyectuales : por un lado están preocupados en la
problemática de la vida actual, la cultura y habitar contemporáneo; en las
expresiones del arte, la música y los medios de comunicación. Y por otro lado
dónde se enfocan al estudio de los materiales, su composición y los procesos
técnicos que originan, los cuales les permiten realizar visiones específicas
dónde se fusionan procesos naturales y sintéticos dentro de su arquitectura.
Entre los autores y artistas citados en “La geometría oculta de la naturaleza”
se encuentran Novalis, Goethe, Rudolf Steiner y Joseph Beuys.
“El arte se vuelve cada vez más
importante, puesto que en las últimas décadas ha desarrollado estrategias más
interesantes y atraído a personalidades más creativas, que las habidas en el
campo de la arquitectura, personas más abiertas a la investigación, más interesadas
en encontrar que en defender”.
Cuando tuvieron la oportunidad de trabajar con
Joseph Beuys en 1978, fue realmente importante para el proceso creativo que
ellos estaban buscando, el proyecto visto a partir de las ideas, el concepto y
la forma de operar con los materiales; desde un enfoque mucho más sensual,
identificando un significado a los objetos. Sin embargo aunque el trabajo de
Joseph Beuys los influyó en su manera de observar una realidad, aplicándolo al
proceso de diseño, su vertiente simbólica no la han integrado en sus proyectos.
Los procesos sociológicos y psicológicos son análogos a los naturales; pueden
ser también análogos a los artificiales o artísticos. Joseph Beuys ha trabajado
sobre estas analogías: “su trabajo era ejemplar respecto a hacer visibles las
relaciones entre cosas aparentemente dispersas: la forma o comportamiento de un
gas, comparado con el movimiento de una masa de gente; o la aleación del cobre
con el hierro, como símbolo de las cualidades masculinas y femeninas”.
En la
mayoría de sus colaboraciones con artistas, especialmente con Remy Zaugg,
tratan de encontrar estrategias contemporáneas de operación en ciudades y
edificios públicos. Muchos artistas contemporáneos comparten ese interés en
trabajar sobre el espacio público, la posibilidad de desarrollar ideas a escala
urbana, que siempre ha sido un reto para el arte: el trabajar con modelos a
gran escala. “Si hubiéramos realizado el proyecto para la Biblioteca de
Jossieu, habríamos colaborado con el pintor alemán Gerhard Richter, cuyos
primeros trabajos incluyen modelos sobre el espacio urbano”.
El proyecto para el Tiergarten de Berlín
radicaliza una visión arquitectónica específica, a través de la posición
artística de Remy Zaugg, quien colaboró en este proyecto: Esta actitud pretende
la desaparición del arquitecto, y la transferencia de la autoría del proyecto a
la gente en el interior del edificio, y a las personas que perciben los
edificios desde el exterior. Zaugg hace una crítica del objeto sustancial, una
disolución del ‘yo’ del diseñador en nombre de las relaciones reales con que se
constituye el objeto arquitectónico.
El
diseño del edificio no es el diseño estructural o artístico; tampoco el del
economista o ingeniero; es el diseño que el espectador ha creado. Los edificios
expresan la preferencia por la arquitectura anónima, que deja suficiente
espacio para que la gente se exprese.
Las inscripciones que aparecen sobre las
fachadas de sus proyectos, son una mezcla de la observación de los edificios
desde el exterior, tal como se observa un paisaje o un cuadro, y de mensajes
enviados por compañías y habitantes desde los interiores hacia la ciudad. “La
arquitectura es siempre para la gente que vive y trabaja en ella; la
arquitectura es una especie de escultura social (Beuys). La arquitectura es la
gente que la usa, cómo se mueve por ella, dónde empieza y termina”.
“Preferimos
el arte a la arquitectura, y consiguientemente, los artistas a los arquitectos.
Si comparas el pensamiento innovador de los artistas jóvenes, con el de sus
colegas arquitectos, sus logros son fantásticos; sus vidas son sus trabajos y
sus trabajos son sus vidas. Nos asombra que los arquitectos en muchas ocasiones
no busquen lo fantástico, por lo menos cuando son jóvenes, cuando aún no están
supeditados a los presupuestos y a los encargos”.
En su investigación sobre la química y
física de los materiales, se preocupan por la importancia de aquellos procesos
que, aunque invisibles al ojo humano, son extremadamente importantes y
finalmente definitivos en la configuración de un objeto arquitectónico.
“Existe
un vínculo entre lo visible y lo invisible, aunque constantemente lo separemos,
son una misma cosa. Incluso hoy, los arquitectos toman la realidad por aquello
que pueden ver o tocar; no pueden aceptar la existencia de realidades “no
sensibles”, sea dentro de los objetos naturales, o de los artificiales, lo que
tiene enormes consecuencias, no sólo en la forma en que los arquitectos
conciben su arquitectura, sino también en sus implicaciones
económicas-ecológicas.” H&M han enfocado especial atención en la
comprensión del mundo material, su composición y significado. En la utilización
de los materiales, mejorando sus cualidades específicas.
Los métodos que han utilizado para
imprimir imágenes sobre el concreto, por ejemplo, son producto de esta búsqueda
y experimentación. El método de impresión existía, pero ellos lo adaptaron y
utilizaron para imprimir trabajos fotográficos sobre el concreto. Es un proceso
bastante interesante, y a la vez sencillo. Las imágenes terminadas proporcionan
una plástica muy característica al material y su superficie.
Otro ejemplo son
las algas; su interés por musgos y líquenes que crecen en la superficie de las
piedras: proporcionan un matiz muy característico a los materiales, por medio
de sus colores, a la vez que son buenos indicadores de la calidad del agua y el
aire. “Resulta fantástico disponer de estos recursos como una herramienta más
en nuestro trabajo: el color, las imágenes fotográficas, la transparencia, la
solidez; ‘el lápiz de la naturaleza’, también se convierte en ‘el lápiz de la
arquitectura.”
Bibliografía
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Marco Delgadillo Villanueva
Arquitecto,
pintor e investigador.
Vive en la
ciudad de México.
Egresado de la
Facultad de Arquitectura de la UNAM, México.
Maestro de
Arquitectura por la UNAM, México.
Actualmente
realiza trabajos de investigación en torno a la producción de arte
contemporáneo en Latinoamérica, publicación de artículos y proyectos personales
de arquitectura y arte visual.
“La buena arquitectura es un matrimonio entre el arte y tecnología. Si miras la historia, la tecnología es solo un vehículo para la expresión artística: las pirámides, las catedrales, la torre Eiffel... Yo asocio mi trabajo a la voluntad de explorar nuevas soluciones y de traspasar límites, lo que llamo un proceso de ‘reinvención’. Pero la tecnología es solo el medio para llegar a un fin: la arquitectura se genera para cubrir las necesidades de la gente, tanto a nivel material como espiritual.”…
Actualmente es considerado el arquitecto del siglo XXI, por la genialidad de su obra arquitectónica, que se han convertido en un referente de cómo combinar la originalidad de la expresión artística de los espacios, las formas, funcionalidad, nuevos materiales, con la sostenibilidad para integrar el entorno. Es decir, su obra combina, la armonía del espacio, juegos de luz y sombras, con la funcionabilidad del edificio, desde una perspectiva absolutamente global, allí radica su genialidad….
El Rector de la Universidad Politécnica de Madrid (UPM) durante la ceremonia, de entrega del Doctorado Honoris Causa al arquitecto británico Foster nos dijo:
“Uno sólo de los edificios proyectados por Foster resulta en sí mismo un “trabajo sobresaliente”, el análisis de la obra colectiva produce un “efecto envolvente, por la magnitud, por la dimensión que supone todo el conjunto y por la calidad atesorada en tal cantidad”….
La arquitectura del maestro Norman Foster se caracteriza por tener un marcado sello industrial, (empleo y colocación de elementos repetitivitos que pueden ser construidos en lugares alejados de la obra), un gran dominio del espacio, la luz y la materia, y un fuerte compromiso con el cuidado del medio ambiente, sus habitantes, y los principios que fundamentales de la arquitectura sostenible.
Fueron los elementos que le permitieron al Arquitecto Foster hacerse acreedor al Nobel de la Arquitectura, el Premio Pritzker de Arquitectura, y al premio el Mies van der Rohe.
La arquitectura sostenible, o arquitectura verde, eco-arquitectura y arquitectura ambientalmente consciente, es la manera de concebir el diseño arquitectónico de manera sostenible, buscando aprovechar los recursos naturales al máximo, y minimizando el impacto ambiental de los edificios sobre el medio ambiente y sus habitantes.
Sus principios consideran las condiciones climáticas, la hidrografía y los ecosistemas del entorno en donde se construyen los edificios, para obtener el máximo rendimiento con el menor impacto.
El uso moderado y eficiente de los materiales de construcción, priorizando los de bajo contenido energético frente a los de alto contenido energético. La reducción del consumo de energía para calefacción, refrigeración, iluminación y otros equipamientos, cubriendo el resto de la demanda con fuentes de energía renovable, y naturales.
La planificar las etapas del diseño de la edificación desde concepción, diseño, construcción, utilización y final de su vida útil, ayuda a para minimizar el balance energético global de la edificación.
El cumplimiento de los requisitos de confort higrotérmico, salubridad, iluminación y habitabilidad de las edificaciones.
Para el arquitecto Foster su obra, empieza con un dibujo a mano alzada casi describiendo una nueva forma de expresión artística, de tanta claridad interpretativa que con sus trazos, guía al equipo de arquitectos y colaboradores, en un viaje sin retorno hacia el perfeccionamiento conceptual del espacio arquitectónico.
Es una imagen mental, que proyecta Foster a sus colaboradores más cercanos sobre la edificación, de manera formal, espacial, y estructural. Como si se tratara de un proceso meditativo que permiten comprender de manera sencilla y clara todas las partes del proyecto y el conjunto conceptos que propone.
Según Pedro Haberbosch, socio del estudio, nos dice el primer mandamiento de la factoría Foster:
“Es explicar de forma clara y sencilla, cada aspecto de la propuesta arquitectónica. “Hacer sencillo, lo complejo.”
VIDEO 1 HSBC, Hong Kong
VIDEO 2 NORMAN FOSTER PREMIO PRINCIPE DE ASTURIAS DE LAS ARTES 2009
FUENTES Y REFERENCIAS
1. «Iconic 'Gherkin' may be sold off». BBC News (16 de septiembre de 2006). Consultado el 03-09-2010. 2. ↑ «Ken Shuttleworth leaves Foster&Partners after 30 years» (en inglés). The Guardian (27-11-2003). Consultado el 14-09-2009. 3. «30 St Mary Axe, London» (en inglés). Skanska. Consultado el 14-09-2009. 4. «Swiss Re's London Headquarters 30 St Mary Axe was officially opened on 25 May 2004.» (en inglés). Swiss Re. Consultado el 14-09-2009. 5. «The (dismantled) Baltic Exchange». heritage.co.uk. Consultado el 14-09-2009. 6. Jonathan Bell (25-03-2003). «Raising the Game» (en inglés). The Morning News. Consultado el 14-09-2009. 7. «Baltic Exchange finds new home: Shipping market swaps buildings with Trafalgar House» (en inglés). The Independent (12-09-1994). Consultado el 14-09-2009. 8. «the Baltic Exchange». Save Britain's Heritage. Consultado el 22-03-2007. 9. «Stained glass from the Baltic Exchange». National Maritime Museum. Consultado el 14-09-2009. 10. «Extreme restoration». BBc News (05-04-2007). Consultado el 14-09-2009.
Arq. Anita Del Cisne, Delgado Salas
Maestría en Docencia Superior
Docente Univerisitaria Universidad Ricardo Palma, UAP, UCAL
El
Arqueologo Ives Bejar Mendoza del Ministerio de Cultura, durante un
seminario realizado entre el 13 y 15 de junio del 2012 en el Cusco, dió
a conocer que en el Valle de Pomahuanca - Urubamba existen numerosos
sitios arqueologicos ignorados y olvidados´, en este artículo nuestro
colaboraror Hugo Bravo Zúniga quien visitó y fotografió estos
interesantes lugares nos describe estos sitios que deben ser puestos en
valor y promocionados al turismo.
El pasado 4 de Abril falleció en Suiza el mítico arquitecto venezolano, Augusto Tobito Acevedo, luego de batallar contra el Alzheimer durante varios años. Tobito fue reconocido en vida como uno de los pocos latinoamericanos (el único venezolano) en trabajar y dirigir el atelier del gran arquitecto, Le Corbusier.
Bajo su tutela, ayudó a desarrollar algunos de los proyectos que sentaron las bases de la arquitectura y el urbanismo moderno. En las filas del Atelier, compartió espacio con los célebres, Yannis Xénakis (creador de la música estocástica) y Rogelio Salmona, entre tantos otros jóvenes destacados. Gracias a la iniciativa del catedrático, Juan José Pérez Rancel (quien venía investigando la vida del arquitecto), se pudo traer de vuelta su destacada trayectoria a la palestra pública, en ocasión de un evento organizado por el colegio de arquitectos de Venezuela (CAV) en 2010.
Desde ese entonces, diversos honores se han gestado en torno a su figura, los cuales llamaron la atención de la Fundación Le Corbusier. El referido organismo manifestó su respeto y apoyo mediante una carta emitida por su presidente, el Sr. Jean-Pierre Duport .
AUGUSTO TOBITO.
Nació en la ciudad de Rubio (Edo. Táchira-Venezuela) un 8 de Julio de 1921, sus progenitores fueron, Don Antonio Tobito Peña(1894-1850) y Anaís Acevedo(1900-1981). Su padre era originario de la localidad colombiana del “Imperio” (perteneciente al municipio Boyacá) y se desempeñaba como capataz, mientras que su madre era natural de Rubio y una devota cristiana.
Cursó sus primeros estudios en el colegio Sagrado Corazón de Jesús de la ciudad de Cúcuta, donde siempre destacó por sus habilidades artísticas. No obstante, quiso incursionar en la medicina, pero fue disuadido por sus profesores para ser arquitecto. Su carrera universitaria floreció en la prestigiosa Universidad Nacional de Colombia, donde obtuvo su título en 1947, a la edad de 25 años.
Ese mismo año y con mucho entusiasmo, trabajó junto a los arquitectos, Jorge Gaitán, Álvaro Ortega, Gabriel Zolano y Alberto Iriarte en el urbanismo de lo que se conoció como “La Ciudad del Empleado”. Dicho plan se publicó en la revista PROA y llegó a las manos del propio Le Corbusier. El 9 de abril de 1948, fue asesinado el líder político liberal, Jorge Eliécer Gaitán y ello desató una escalada de acontecimientos violentos que se denominó “El Bogotazo”.
Tal protesta social, produjo la muerte de 600 personas y dejó por lo menos un saldo de 400 heridos. En la revuelta, resultaron destruidos numerosos edificios, los cuales constituían un 40% del centro de Bogotá. Tobito fue llamado para formar parte del comité de planificación y reconstrucción; una oportunidad que le permitió conocer a Le Corbusier durante su estadía en territorio Colombiano.
El afamado arquitecto desarrolló junto a José Luis-Sert y Paul L.Wiener (presidente y asociado del CIAM), un Plan Regulador para Bogotá, pero este no se concretó finalmente.
Tocado por la esencia de las ideas corbusianas se trasladó a Paris en febrero de 1953, para solicitar a L-C que le dejase formar parte de su equipo. Sin hacer ninguna parada previa, se aventuró directamente hacia el monasterio identificado con los números 33/35 de la calle Sèvres. Allí lo recibió un Corbusier aparentemente severo, el cual se identificó completamente con él, ya que le recordó sus humildes inicios en la dura ciudad Luz.
Con maleta en mano, cahier y portafolio, el sexagenario pudo visualizar su primera entrevista de trabajo con Eugène Grasset; personaje que lo remitió a los hermanos Perret (quienes le enseñaron la técnica del concreto armado).
El artista franco-suizo aceptó y lo invitó a reunirse con los otros creativos inmediatamente. En el recinto se encontraba el colombiano Rogelio Salmona, el cual estaba a punto de retirarse del “bureau”. De parte de ambos, surgió una proximidad que cristalizó en la concesión del arrendamiento del Apto. de su colega colombiano.
Durante seis años el joven se consagró a su maestro, participando en sus mejores proyectos, ya que su estadía coincidió con el Cenit del arquitecto europeo. Junto a Yannis Xénakis, André Maisonnier, Vladimir Bodiansky y André Wogensky, dirigió esporádicamente el atelier. Contribuyó notablemente con las realizaciones que L-C proyectó para las ciudades de Chandigarh, Ahmedabad, Firminy, Bagdad y Berlin, entre otras.
De aquella experiencia laboral (que denominaron “Años Corbusianos”), surgió una fructífera amistad con uno de los más célebres colaboradores, Yannis Xénakis y su esposa, Françoise.
A mediados de la década de los 50, Tobito asistió a un “soirée” (velada nocturna) y conoció a una hermosa bailarina de ballet de origen Suizo llamada, Barbara Brändli. Ella también era modelo de la firma “Balenciaga” y apenas comenzaba a interesarse por la fotografía.
Brändli era particularmente apasionada por las culturas primitivas y vio en la fisonomía del criollo una belleza que la embelesó. Por parte de los jóvenes surgió una atracción que acabó en nupcias civiles y no eclesiásticas, ya que ella era hija de un sacerdote Luterano que profesaba el Protestantismo, la ceremonia se llevó a cabo un 13 de mayo de 1957. Fruto de dicha unión, nació su única hija, Karidy Tobito el 22 de agosto de ese mismo año.
Barbara Brändli, es reconocida en la actualidad por su excelente trabajo fotográfico, el cual retrató diversas etnias indígenas venezolanas (inmortalizadas en el libro “Hijos de la Luna”) y los hermosos Paramos de la región andina (en el libro “Los Páramos se Van Quedando Solos”). En el 2004, recibió el Premio Nacional de fotografía en Venezuela, por su valiente y destacada trayectoria.
En noviembre de 1959, Tobito decidió partir del atelier que forjó su talento al aceptar una invitación del Rector de la Universidad Central de Venezuela (UCV), Francisco de Venanzi. Dicha autoridad fue persuadida por Carlos R. Villanueva (arquitecto venezolano mas destacado del siglo XX), para ser parte del profesorado de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo (FAU) del Alma Mater, entre otros planes vinculados con el entonces, “Banco Obrero”.
El último día que Le Corbusier vio a su discípulo, este le obsequió una obra de arte con una dedicatoria que decía: “Para Tobito, con mi amistad…gracias por tu gentileza natural”, cerrando así un ciclo inolvidable en la vida del venezolano.
En la década de los 60, se dedicó a proyectar y construir (en territorio venezolano) la Escuela de Enfermeras de Valencia y el Hospital Universitario de Mérida, entre otros “Affaires” significativos. Hacia 1963 fundó el “Taller Tobito”, donde impartió la enseñanza del diseño acorde a sus propias tendencias y experiencias derivadas del atelier de L-C.
Seis años más tarde, promovió la llamada “Renovación” Universitaria (consecuencia directa del “Mayo Francés”). Ulteriormente, ese mismo año, fue expulsado injustificadamente de la UCV junto a otros profesores, con los cuales formaría la firma de arquitectura BMPT.
En conjunto con dicha firma, tuvo una participación destacada en el concurso para la sede de CADAFE (C.A. de administración y Fomento Eléctrico) e igualmente para la competición de lo que hoy se conoce como el Complejo Cultural Teresa Carreño en Caracas. Hacía la década de los 70, concibió una casa-atelier para la artista plástico, Luisa Richter (con la colaboración de su esposo, el Ing. Hans J. Richter).
En 1971 concibió junto a los profesores, Ramón G. Almeida y José Balbino León, el Departamento de Acondicionamiento Ambiental de la FAU; el cual incluyó por primera vez en Venezuela (y muy posiblemente en Latinoamérica) temas ecologistas en el ramo de la arquitectura y el urbanismo. Obtuvo su jubilación en 1974 y ello marcó un periodo más apacible en su vida. Para 1976 asistió al acto de grado su hermana Cecilia, quien decidiendo seguir sus pasos, se tituló de arquitecto en la misma Alma Mater que él.
Los dos décadas venideras, constituyeron para el arquitecto una verdadera reflexión de su trabajo, ya que organizó sistemáticamente toda su obra en la pequeña oficina de su residencia en Caracas.
En años sub-siguientes, se le diagnosticó la inexorable enfermedad del Alzheimer, la cual sobrellevó con un estoicismo y dignidad admirable, en compañía de su compañera de tantos años. En 2009 fue presentada su postulación al Doctorado Honoris Causa ante el Consejo Universitario de la UCV y esta fue aprobada y otorgada en una ceremonia sencilla. El diploma fue adjudicado por la actual rectora, Cecilia García Arocha y recibido por su hija Karidy Tiberge de Tobito.
Al morir su esposa en diciembre del 2011, Tobito fue trasladado a Ginebra, en donde falleció serenamente en compañía de su hija y nietos. Sus cenizas serán esparcidas en los páramos de Mucuchíes, junto a las de su esposa Barbara.
-Barbara Brändli (1932-2011) Esposa de Tobito y Premio Nacional de fotografía, año 2004 (†). -Miryam Tobito (1932-2011) Hermana del Arq. Tobito (†). -Edgard Enrique Tobito Cuberos. Sobrino del Arq. Tobito. -Ana Karina Tiberge Tobito. Nieta del Arq. Tobito. -Juan José Pérez Rancel. Catedrático de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV -Harry Abend. Arquitecto y Escultor, Premio Nacional de Escultura, año 1963. Fondation Le Corbusier 8/10, square du Docteur Blanche 75016 Paris- France Phone: +33 01 42 88 41 53 / Fax: +33 01 42 88 33 17 E-mail: info@fondationlecorbusier.fr
LUIS GUALTIERI Urbanista (USB). Desde 1999, realiza viajes a países como Italia, Francia, España, Grecia, Londres y Egipto, para estudiar su arquitectura más importante. Posteriormente se radica en Roma y hace un estudio ambiental para la Universidad de La Sapienza. Trabaja para el bufete de arquitectos BISCIARDI, durante su estadía en Italia.
Posteriormente se traslada a París para comenzar una investigación sobre Le Corbusier, la cual le hará visitar países como: Suiza, Alemania, Bélgica, URSS, India, entre otros. En el 2004, participa en el "National Symposium of Architects of India" y obtiene el primer lugar en el concurso "Monument to the city of Chandigarh", en ese mismo viaje de estudio, el departamento de turismo, le otorga una mención honorífica por su especial interés en la ciudad y sus habitantes.
En el 2005, realiza negociaciones con una editorial en Francia y la Fundación Le Corbusier, para publicar una edición actualizada y moderna sobre Le Corbusier en Español y Francés (en curso). En mayo del 2004, participa en la segunda edición de "Le Festival Artistique" que se hace en la "Cité Universitaire" de París y obtiene el premio "Meilleur Participation Créative".
En Octubre de 2006 gana el concurso lingüístico “America Latinissima” y participa junto a otros jóvenes latinoamericanos de un Séjour por Roma y la región del Abruzzo. Desde el 2005 colabora con diversos medios de comunicación impresos como son el diario “El Nacional” (Venezolano), “La Voce” (Italiano), “La Hora” (Ecuatoriano), “El Clarín” (Argentino), entre otros.
También aparece en algunos programas de T.V. pertenecientes a las cadenas Canal-I y Canal de Noticias Globovisión (Venezolanos), proporcionando información sobre Le Corbusier. En 2011 colabora en la producción de un documental dedicado la Arq. Augusto Tobito para el programa “Biografias” del canal de noticias antes citado.
